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gennaio 18, 2010 0

Per vedere quadratini tutto il giorno. Il formato 120 in una collettiva a Pescara

pubblicato da Sara in Artisti, Fotografia, Mostre

Inaugurata sabato 16 gennaio, è in corso fino al 16 febbraio presso lo studio fotografico Anniluce di Pescara la collettiva fotografica “Per vedere quadratini tutto il giorno” che riunisce l’esperienza di 12 artisti, abbruzzesi e non, con la fotografia quadrata ovvero il formato 120 (o medio formato) introdotto nel 1901 e ancora in uso, a riprova della longevità dell’analogico nonostante l’uso massiccio del digitale.

Saranno presenti con i loro lavori: Laura Angeloni, Claudia Ferri, Stefano Schirato, Valeria Serino e Barbara Tucci di Pescara, Mark Benini di Berlino, Sabrina Caramanico di Guardiagrele (Ch), Alberto Di Cesare di Roma, Liana Fides Frappa di Codroipo (Ud), Simona Russo di Torino, Marco Taddei di Vasto (Ch) e Chiara Zampieri di Padova.

Lo studio Anniluce è in via dei Marrucini 34 a Pescara e la mostra è aperta al pubblico tutti i giorni (esclusi i festivi) dalle 18.00 alle 20.00. Per informazioni potete chiamare il numero 3477545254. “Per vedere quadratini tutto il giorno” è anche su Facebook.

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gennaio 12, 2010 0

Vis-à-vis #19: Franco Monari

pubblicato da Sara in Artisti, Fotografia, Interviste

Nuovo appuntamento con Vis-à-vis, giunto al capitolo 19. Oggi incontriamo Franco Monari, conosciuto sulle pagine di I love that photo. Con le loro prospettive lunghe e inquiete, molti dei suoi scatti ritraggono luoghi desolati e abbandonati, esempi di archeologia industriale ma anche posti familiari, segnati dal passaggio dell’uomo, un passaggio a volte doloroso. Forte è, inoltre, l’influenza degli anni ‘80 e di alcuni importanti fotografi del passato. Buona lettura e buona visione.

Chi è Franco Monari? Dove e quando è nato?
Non chiedetelo a me; so solo che è nato a Carpi, vicino Modena, nel 1981.

Qual è stata la tua formazione e come ti sei avvicinato alla fotografia?
Sono giunto alla fotografia in maniera del tutto involontaria. Il mio percorso artistico comincia infatti con la pittura, un periodo della mia vita durato quasi dieci anni, in cui mi servivo anche di macchine fotografiche usa&getta per fissare i paesaggi che poi avrei ridipinto su tela. Con il passare degli anni l’amore per la pittura si è spento e mi sono ritrovato senza accorgermene a girare sempre con una reflex a portata di mano.

Quali sono le tue fonti di ispirazione? E se guardi alla storia della fotografia, chi sono i tuoi maestri?
Le fonti sono molteplici e di natura diversa. In linea generale subisco molto l’influenza degli anni ‘80, del suo “mood”, della sua musica New Wave e di alcuni telefilm che guardavo da bambino, specialmente L’ispettore Derrick per via dei colori e del clima “casareccio”.
Ovviamente guardo molto anche alla storia della fotografia e non posso che soffermarmi con ammirazione sugli scatti di Ghirri, di Basilico, di Barbieri, di Thomas Ruff, di Robert Polidori, dei coniugi Becher, di William Eggleston e tanti tanti altri ancora. Continua a leggere »

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gennaio 6, 2010 2

Massagrigia. Mostra collettiva al Brancaleone

pubblicato da Sara in Artisti, Fotografia, Mostre

Quella che vi segnalo è una mostra interessante in particolare per chi ama la fotografia analogica, meglio ancora se in bianco e nero. Il Brancaleone di Roma ospiterà, da sabato 9 gennaio (inaugurazione alle ore 21.30) e fino al 22, una collettiva dei fotografi di Massagrigia, sito/galleria fotografica online dal 2005 la cui peculiarità è quella di raccogliere  e mostrare soltanto fotografie in bianco e nero realizzate da un folto gruppo di artisti.

Le foto sono stampate su carta baritata ai sali d’argento e montate su telai in legno o con montaggi ad umido. L’aspetto artigianale si riscontra, dunque, in tutti i vari passaggi della creazione fotografica: Massagrigia è dotato infatti di una camera oscura da cui provengono tutte le fotografie pubblicate nel sito.

L’intento del collettivo è quello di creare un terreno fertile di dialogo tra fotografi e appassionati, oltre a promuovere eventi e perseguire l’obiettivo di conservare e proteggere la tradizione della fotografia analogica, in cui è insita tutta la poesia e la forza del gesto manuale, non solo quello legato allo scatto ma anche e soprattutto quello della stampa.

Si legge, infatti, nel profilo di Massagrigia: “L’interazione manuale dello stampatore con il supporto cartaceo utilizzato ed il trattamento chimico al quale viene sottoposto, determinano la possibilità di modulare le tonalità della stampa finale, rendendo ogni fotografia prodotta con questo sistema un’opera unica e irripetibile ma allo stesso tempo indissolubilmente legata alla proiezione del gesto originale.” Buona visione.

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gennaio 5, 2010 1

Vis-à-vis #18: Renato D'Agostin

pubblicato da Sara in Artisti, Fotografia, Interviste

Dopo la pausa natalizia, Art Rehab riprende la sua attività e lo fa con un’intervista. A parlarci di sé e della sua arte è Renato D’Agostin, giovane fotografo veneto (ma vive a New York), scoperto tra le pagine di [EV +/-] Exposure Compensation. Il bianco e nero è la lingua in cui si esprime la sua fotografia urbana, essenziale, sottile, grafica, pura, che gli ha permesso di tenere mostre in Italia e all’estero (Francia, Germania, Turchia, Grecia, Giappone, Russia, America). Dopo questa breve introduzione, lascio la parola a Renato e alle sue immagini.

Chi è Renato D’Agostin? Dove e quando è nato?
Renato D’Agostin, fotografo, nato 26 anni fa, in un piccolo paese in provincia di Venezia, San Donà di Piave.

Qual è stata la tua formazione e come ti sei avvicinato alla fotografia?
Durante l’ultimo anno di liceo, quasi per caso ho iniziato ad incuriosirmi alle scene di strada, a come gli elementi interagissero tra di loro, formando immagini, che in bianco e nero davano soddifazione  al mio occhio. Mia madre un giorno tornò a casa con una grande fotografia di un elefante vinta ad una lotteria, facendo crescere la mia curiosità nell’immortalare la realtà.

Osservando le tue foto vengono in mente la straight e la street photography. Quali sono le tue fonti di ispirazione? E i tuoi maestri?
La mia fonte d’ispirazione è la realtà, che utilizzo come teatro nel quale mettere in scena, estrapolando immagini dalle situazioni esistenti, il mio mondo d’immaginazione, pescando dalle mie sensazioni e percezioni.
I miei maestri sono i fotografi a cui guardo con ammirazione, Giacomelli, Gibson (per il quale ho avuto l’onore di lavorare come assistente), Metzker, Moriyama, ecc. I fotografi che hanno lasciato un segno per il loro stile unico, visione della loro realtà.

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dicembre 18, 2009 0

Adrenalina. L'arte emerge in nuove direzioni. Edizione 1.1

pubblicato da Sara in Artisti, Eventi, Fotografia, Mostre, Performance, Pittura, Scultura, Videoarte

Ricordate “Adrenalina”, la manifestazione romana svoltasi lo scorso marzo per dare spazio e visibilità alle generazioni emergenti di artisti italiani e non? In quell’occasione, 52 artisti provenienti da Italia, Iran, Svezia, Croazia, Germania, India, Francia, Australia e Svizzera si erano confrontati, negli spazi dell’Ex Mercato Ebraico del pesce, attraverso i linguaggi della fotografia, della pittura, della scultura, della performance e della videoarte. Bene, in attesa dell’edizione 2010 è stata organizzata una sorta di edizione intermedia dal titolo “Adrenalina 1.1″ che si terrà a partire da oggi, 18 dicembre, fino a mercoledì 30 dicembre, negli ambienti della Galleria Spaziottagoni in via Goffredo Mameli 9 (Trastevere) e sarà strutturata in due categorie: arti figurative e arti performative.

I sette artisti coinvolti con le loro opere in questa mini-edizione sono Sabrina Casadei (1985), Chandra Fanti (1982), Massimo Fiorini (1973), Massimo Fogliazza (1976), Michela Lenzi (1967), Dario Riccardo Puggioni (1977) e Valerio Volpi (1987). Come accennato in apertura, oggi alle 19 si svolgerà il vernissage con le body art performances di Damiano Tullio, Antonietta La Rocca e Mr Ferdy il Guru insieme al live set electronics di Nataraja. Altre performances sono in programma per domani 19 dicembre (ore 19) con Sonia Floris, domenica 20 dicembre (ore 19) con Laura Leone e Sonia Floris, e infine, in occasione del finissage, mercoledì 30 dicembre (ore 19) con Damiano Tullio e Mr Ferdy il Guru.

Come emerge dalle parole dell’assessore Laura Marsilio, “Adrenalina” ha la doppia finalità di sostenere la creatività degli artisti emergenti e, nello stesso, accostare i giovani all’arte e alla cultura. La manifestazione “Adrenalina. L’arte emerge in nuove direzioni”, è infatti sostenuta dall’Assessorato alle Politiche Educative Scolastiche, della Famiglia e della Gioventù del Comune di Roma, con l’organizzazione di Zètema Progetto Cultura, ed è curata da Federico Bonesi con la direzione artistica di Ferdinando Colloca.

Nel corso della manifestazione si terrà anche una raccolta fondi promossa dall’Associazione Culturale Mameli 7 per la costruzione di un presidio sanitario in Libano, a sud di Beirut, che dovrà ospitare bambini e anziani portatori di handicap e socialmente disagiati.

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dicembre 14, 2009 0

D'un vert tirant sur le bleu. Il Pastificio Cerere ospita la prima personale italiana di Katinka Bock

pubblicato da Sara in Artisti, Mostre, Scultura

E’ in corso presso il Pastificio Cerere di Roma l’interessante mostra di Katinka Bock dal titolo “D’un vert tirant sur le bleu”, che rimanda ai colori della terra e del cielo il cui incontro costituisce la linea dell’orizzonte. Sulla scia di questa relazione, l’artista, nata a Francoforte nel 1976, ha pensato per la sua prima personale italiana ad una serie di lavori impostati sul tema del rapporto tra l’opera e il contesto in cui questa si colloca, sul legame tra interno ed esterno, tra oggetto e dimensione spazio-temporale. In questo complesso gioco di rimandi, gli elementi architettonici (pareti, soffitto, pavimento) vengono spogliati di quanto fà di essi un limite e diventano luogo dell’integrazione tra lo spazio e l’opera.

La mostra, aperta fino al 22 gennaio 2010 e curata da Lorenzo Benedetti, presenta lavori che insistono sui temi della distanza, della durata, della misura e della percezione. Quest’ultima è presente in Local colour balance, che attua un bilanciamento tra le tinte fredde del verde e del blu ed il calore del giallo dei limoni, nonchè in Ognuno sta solo, in cui una lampadina accesa è sotterrata emanando un fioco bagliore. Nella stessa stanza, un foro nella parete si apre sulla realtà altra della stanza adiacente, permettendo l’ingresso della luce.

Il rapporto tra esterno ed interno è riproposto da Die Diagonale (Rom), in cui una corda, dopo aver costruito una prospettiva, passa attraverso una parete per uscire nel cortile esterno. Fuori si trova anche una delle due sculture dell’opera Geschwister: questa, a differenza dell’altra che staziona all’interno, subisce gli attacchi degli agenti atmosferici e si deteriora nel corso della mostra. Il tema del tempo e della sua durata, intrecciato stavolta con quello della distanza, anima Trois mesures in cui alcune sculture, gettate dai ballatoi del Pastificio, vengono cotte al forno dopo essersi schiantate al suolo. Il loro aspetto finale è il risultato dell’impatto combinato con la distanza della caduta: se ne deduce che la scultura non è concepita solo in relazione allo spazio ma anche in relazione al tempo.

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dicembre 9, 2009 0

La sensibile arroganza della vista. Personale di Daniele Pinti a Roma

pubblicato da Sara in Artisti, Fotografia, Mostre

Daniele Pinti ama i quartieri scrostati, le fabbriche dismesse, le periferie desolate. Qui porta il suo sguardo e la sua sensibilità, lasciando che la macchina fotografica faccia il resto. Nato nel 1977 a Roma, dove vive e lavora, Daniele Pinti si è avvicinato alla fotografia 10 anni fa.

Daniele sarà protagonista dal 21 dicembre al 28 gennaio 2010 (inaugurazione sabato 19 dicembre alle 19) di una personale presso Sinergy Art Studio in via di Porta Labicana 27 a Roma, intitolata “La sensibile arroganza della vista” e curata da Flavia Montecchi. Qui l’artista presenterà una serie di scatti inediti insieme ad alcuni recenti.

Il bianco e il nero saranno i toni dominanti, insieme alla capacità dell’artista di raccontare le presenze e le assenze delle strade di una città silenziosa, invisibile ai più, lontana dal rumore di fondo della metropoli. Solo così può emergere “non l’immagine nel suo complesso ma il segno di un passaggio, il ricordo di una storia: tutto quello che il tempo o un occhio distratto lasciano smarrire”. Lo sguardo opera da soggetto e oggetto dell’azione, agendo in modo attivo nell’atto dell’osservare e immedesimandosi con l’occhio dello spettatore per fornirgli una traiettoria all’interno dell’immagine.

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dicembre 4, 2009 0

Where's My Crown? Personale di Alessandra Rosini alla Changing Role di Roma

pubblicato da Sara in Artisti, Gallerie, Installazione, Mostre

“Where’s my crown?” è la domanda senza risposta che dà il titolo alla mostra di Alessandra Rosini, in programma presso la galleria Changing Role di Roma in vicolo del Bollo 13 e che inaugurerà il prossimo 11 dicembre alle ore 18.30, per restare aperta fino al 5 febbraio 2010. L’artista, nata nel 1979, vive e lavora a Roma.

La mostra, curata da Alessandro Facente, è incentrata sui temi dell’ipocondria e della pandemia, sul senso di condivisione delle paure che attanagliano ciascuno di noi quotidianamente e che costituiscono un regno su cui pensiamo di poter dominare ma che in realtà non prevede per noi alcuna corona. Si tratta di paure di vario genere, dalle calamità naturali alla crisi economica, dalle guerre alle influenze del momento, che di fatto finiscono per dominare noi e la nostra psiche.

Tre sono le installazioni in cui è strutturata la mostra. Nel piano di superficie si incontra Cartella clinica, una serie di analisi cliniche raccolte dall’artista tra il 1998 e il 2009, coperte da un film in stile gratta-e-vinci che ne cela il contenuto: l’esperienza personale come prova dell’ipocondria che si prende gioco di noi attraverso l’aspetto ludico del grattare la superficie coprente.

Il secondo lavoro, al piano inferiore, è Hz., un’installazione sonora costituita da un vinile che suona su un giradischi e che viene fatto ripartire di volta in volta dagli spettatori. La traccia di 7′13” è una serie di note stabilita secondo calcoli matematici a cui l’artista attribuisce le cause e il numero delle morti rilevate dalla World Health Organization per il 2001. Anche qui un elemento protettivo, le note, che occultano le morti. Il terzo lavoro, Senza titolo, posto nel secondo piano interrato, è un’installazione video in cui due ragazze respirano contro un vetro. In un caso il vetro si appanna, nell’altro no. Presenza e assenza, vita e morte.

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dicembre 3, 2009 0

Arturo. Doppio appuntamento

pubblicato da Sara in Artisti, Eventi, Grafica, Illustrazione, Mostre

“Lustri di lastre” è ancora in corso (avete tempo fino a domenica 6 dicembre per visitarla) ma Arturo non si riposa. Due sono infatti gli appuntamenti ai quali Amalia, Bernadette, Cecilia, Elena e Irene vi invitano. Il primo è previsto per le ore 19 di oggi con l’inaugurazione della mostra (e annesso mercatino) presso Sard Wonder, in via dei Volsci 5, nel quartiere San Lorenzo di Roma.

Il secondo, “Apres-midi chez Arturo” è una sorta di originale studio-visit della durata di tre giorni: dall’8 al 10 dicembre, dalle 12 alle 24, Arturo apre le sue porte in via dei Piceni 11 per mostrarsi “in tutto il suo splendore” con una mostra, un mercatino e una merenda natalizia a base di mandarini, castagne e vino. Un piacere per gli occhi e per il palato.

Sia la mostra da Sard Wonder che “Apres-midi chez Arturo” sono su Facebook.

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dicembre 1, 2009 0

Lios Decades IV. Personale di Samantha Marenzi

pubblicato da Sara in Artisti, Fotografia, Mostre

Apre i battenti il 4 dicembre alle 19 la personale di Samantha Marenzi presso RGB46, al numero 46 di piazza Santa Maria Liberatrice a Roma. “Lios Decades IV” è il titolo dell’evento, titolo che chiarisce fin da subito il tema portante della ricerca decennale dell’artista, incentrata sul corpo e sulla declinazione che di esso dà la danza butoh, nata in Giappone negli anni ‘60, come reazione all’incontro-scontro con il modello di vita americano.

Sul principio secondo cui il corpo è depositario della propria storia, nella danza butoh si innesta la volontà di liberare le passioni, le emozioni, i sentimenti e, su tutto, il desiderio di vivere il proprio corpo dall’interno, esplorando il proprio sé senza vincoli ma cercando piuttosto di esprimere la propria natura in maniera quasi primordiale attraverso la libera circolazione dell’energia.

Il corpo dipinto di bianco dei danzatori butoh, nella fattispecie quelli del gruppo Lios e del trio Adama, viene indagato da Samantha Marenzi con sensibilità e attenzione, inteso come forma di rivolta e di “ricerca del sottile equilibrio tra il corpo abitato dal di dentro e insieme visto dal di fuori”.

Questo studio viene restituito in immagine dall’artista nel rispetto della concezione non estetica del corpo, derivante dall’ideologia butoh. Per quanto riguarda le tecniche, Samantha Marenzi, fedele al recupero delle tecniche artigianali dei primi anni nel ‘900,  si affida alla stampa su supporti non convenzionali come la carta da acquerello, il cui spessore e la cui matericità rappresentano per Samantha Marenzi la superficie che accoglie la gestualità con cui si sforza di dare concretezza al proprio immaginario.

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